CÓMO ACABAR DE UNA VEZ POR TODAS CON LA CULTURA

Flora

2009-12-30T23:53:00.000-08:00

En un momento dado pienso que en un rincón de mí nacerá una planta.

Felisberto Hernández

"Explicación falsa de mis cuentos"

Welcome back, trapped animal!

2009-10-31T18:00:00.000-07:00

A tres décadas de su primer (gran) disco -Cut-, volvió la vocecita animalada de Ari-Up y su banda reggae-punk, The Slits. Para los que extrañábamos las medias y el tutú!

Notita en (link!)

Del '79 con cariño, "I heard it through the Grapevine"

(cover del temón de Marvin G.)

Siempre tendremos París

2009-10-21T16:07:00.000-07:00

Preaviso

La gente morbosa me encuentra irresistible

Lo malo de estar bien
Siempre fuiste mi mejor mecanismo de defensa.
Extraño las épocas en las que no me psicoanalizaba.

Poesías de Luciano Di Silvestro

del libro "Siempre tendremos París".

¿Es mucho pedir?

2009-06-17T00:36:00.000-07:00

"Ya no pienso en matambre ni le temo al vacío", de Patricio Abadi, es una obra sobre el patetismo crónico donde la bandera existencialista se vuelve... una tira de asado.

En palabras de EL CARNICERO:
"Estoy pensando seriamente en matambre.
En cualquier momento agarro unos sesos y me vuelo la tapa del asado.
Mi mujer me hace ciervo. Me clava las guampas. Acá me las clava... En el medio de la molleja. Todo por una morcilla.
Después dicen que salieron de una costilla. A otro perro con ese hueso.
¿Sabés lo que es encontrar a tu mujer con el profesor de paddle, el chorizo en una mano, la paleta en la otra, dándole bifes en la colita a punto para mandarle salchicha barrillera por el osobuco y empujarle todo el caracú? Casi me la achura el novillo.
Cochinillos…
¿Era necesario semejante azotillo?
Y eso que Marucha decía que no le gustaban los menudos. Y yo le daba bola.
¿Puede ser que siempre se me escape la tortuga?
Ni que fuera un novillo en esto del corazón.
Ahora, que mina tan entraña.
Porque no son cuadradas, no. Son entrañas.
Y pensar que -en otra época- había ganado, ganado ovino por-si-no vacuno.
Matambre, matambre, matambre, matambre.
Si no me cuelgo de los chinchulines es porque tengo tanto roffbiff encima que seguro los chinchulines me explotan en el cogote, caigo en picada especial con el espinazo y me como un garrón.
Mejor, ya que estoy, salgo al balcón y hago una palomita o me clavo una aguja con aftosa y a otra cosa mariposa.
Matambre, matambre... ¿Por qué ante la adversidad solo pienso en matambre?
Una chiquizuela, tiernizada, mandarle lengua por debajo de la falda, dejarle jugosa la arañita para que entre más cómoda la tripa.
Que débil es la carne, como tira, como tira, pero después hay que comerse el vacío y, ojo, yo no te pido un lomo de primera. No.
Un pechito, un pedazo de nalga, de corazón, ¿es mucho pedir?"

Rock me, Amadeus!

2009-06-16T23:20:00.000-07:00

It ain't over till it's over! Y 1987 revisita el soundtrack de una época donde "Don't Dream It's Over", de Crowded House, funciona. Sí... funciona. Es que, con manotazos nostálgicos que no rinden culto, ADVENTURELAND -el nuevo film de Greg Mottola- es el mixtape perfecto. Toca el nervio sensible. De Gogol a Falco, las dosis justas -casi de manual- se vuelven adictivas. Es el coctel retro que invade el pechito y le da un shock tierno, desprejuiciadamente tierno. It ain't over till it's over. Y, por suerte, ésto no se terminó. Sigue así...

De versiones y gritos sagrados, hallelujah

2009-05-28T01:33:00.000-07:00

Tres versiones y una canción.
A buscar favorito, que de elecciones se trata...

Hallelujah, por Jeff Buckley

Vivo, con pianito y voz de Rufus Wainright

Y el original, en voz de Leonard Cohen

Toco madera

2009-05-28T00:15:00.000-07:00

"París era una fiesta"
de Ernest Hemingway

- Y tendremos para leer todos los libros del mundo y cuando nos marchemos de viaje nos los podremos llevar.
- ¿Hay derecho a hacer eso?
- Claro que sí.
- ¿Tiene también a Henry James?
- Claro que sí.
- Hombre -dijo ella-. Qué suerte encontrar eso.
- Siempre estamos de suerte -dije, y como un necio no toqué madera. Y en un piso que tenía madera por todas partes.

Ernest y amigos, en París.

Bill Rice y Taylor Mead, en Coffee and Cigarettes (de Jim Jarmusch)

2009-05-27T23:10:00.000-07:00

B: -Nicola Testa percibía la tierra como un conductor de resonancia acústica.
T: -No tengo idea de lo que hablas ¿Puedes explicarlo?
B: -No, no exactamente.
T: -... Ya se. Pretendamos que este café es champaña.
B: -¿Por qué haríamos eso?
T: -Bueno, para celebrar la vida. Tú sabes, como lo hace la gente rica y elegante. La gente con clase.
B: -Prefiero el café. El café de un hombre sencillo y trabajador.
T: -Eres tan pueblerino, Bill ¿Sabes cuál es tu problema?
B: -¿Cuál?
T: -No tienes entusiasmo por la vida.
B: -¿No?
T: -No. Además, este café es terrible.
B: -Tienes razón, en verdad es malo.
T: -Malísimo... Propongo un brindis.
B: -¿Por qué brindamos?
T: -Por París en los '20. Josephine Baker, el Moulin Rouge.
B: -Y también por Nueva York en los '70. A finales de los '70.
T: -¿En verdad? De acuerdo.
B: -Salud.
T: -Salud.
B: -Delicioso ¿no?
T: -Champaña: el néctar de los dioses... ¿Eso es todo lo que almorzarás, café y un cigarrillo? No es muy saludable.
B: -Ya almorzamos antes.
T: -¿Lo hicimos?
B: -Estamos descansando, un descanso de café.
T: -Que deprimente ¿Cuánto dura nuestro descanso?
B: -10 minutos, y ya casi se acaba.
T: -Di que no es verdad... ¿Y?
B: -¿Qué?
T: -Te pedí que dijeras que no es verdad.
B: -¿Decir que qué no es cierto?
T: -Olvídalo. De cualquier modo, debo tomar una siesta. Así que llámame cuando termine el descanso.
B: -Bueno, tienes dos minutos o menos para tu siesta.
T: -... (dormido)
B: -¿Bill? ¿Hola?

El otro lado (del pop)

2008-12-11T20:42:00.000-08:00

La otrora payasita Juana Molina actualiza canción y presenta su nuevo temario, Un día, donde transita todos los estados de la locura bien entendida, mientras se corea, se aplaude, se hace juego de reflejos. No es un festejo; es la declaración tribal de la chica que, con base electrónica, juega al folk en estado hipnótico. Y contagia.
“Un día voy a ser otra distinta / Voy a hacer cosas que no hice jamás”, abre el acta de deseos con el track que da nombre al disco. Lo diferente es hoy, cuando la ¿improvisación? vocal toma forma experimental en un disco que bien podría ser el soundtrack de un Twin Peaks folclórico. Sin gaucho, la Juana/niña saluda desde el arte de tapa y, entre hojas de invierno, pide “Mamá, nunca te vayas”, como en una canción de cuna deformada por el loop que viene, y viene, y una vez más...
Del pop más “accesible” de su primer trabajo, Rara, a la fecha, Molina cimentó picos con sus discos Segundo y Tres cosas (fórmula ya repetida en Son). En Un día, radicaliza el paso con la misma impronta y esa voz llana, despojada, metamorfoseada en balbuceos y sonoridades. Con temas (¡anti pop!) de más de siete minutos, Juana ya no ladra (ver “El perro”, en Segundo), murmura. Como ella misma ha tarareado antes: “El tiempo ha terminado... Mirá lo que quedó”.
¿Entonces? Quedó el trance, la introspección, lo marciano (porque otro pop sí es posible)... Para el resto ¡inventa tu propia aventura!

Publicado en Las/12

Viernes 5 de diciembre de 2008

Canción de primavera (en verano)

2008-12-08T23:51:00.000-08:00

ahora que el amor va con minúscula
quererse es una remera amarilla
y un pasaje entre verdes
con manzanas en la guantera
una guitarra
y un cigarrillo

si es en francés, mejor

La ballade du mois de juin, de Chiara Mastroianni y Benjamin Biolay

Otra ¿poesía? por suerte

2008-11-24T19:56:00.000-08:00

(...)
concentración en lo que pía
lo que cruje
lo que impacta al corazón

me gustan las letras
llenas de hombre
llenas de mujer
la mano que escribe lo que ha tocado.

Extracto de "Verso",

en "Que esta palabra te encuentre",

de Hernán

¿Poesía?

2008-11-24T19:28:00.001-08:00

Lo que está mal está mal.
Pero lo que está bien
También está mal.
Charlalo con tus padres.-

Vicente Luy

"¡Qué campo ni campo!"

Fiesta Hi Fi!

2008-11-17T14:50:00.000-08:00

Historia del Ojo

2008-11-13T21:26:00.000-08:00

Con la belleza rosa de la explicitud sexual, “Historia del ojo” podría ser un tratado del despertar adolescente. Pero no, no lo es. La transgresión invoca el juego del horror sin sonrojarse. Y -afortunadamente- cualquier juicio de valor se evapora, una vez salteado el límite. Con simbolismos ovalados, la novela de Georges Bataille -publicada por primera vez en 1928 bajo el seudónimo Lord Auch- traza un narrador sin nombre y una adolescente sin norma sexual (Simone) que sobrepasan la conducta social en pos del Placer.

¡Bom! en mi cabeza

2008-11-13T14:43:00.000-08:00

Como puntapié a la nueva era, la liberación sexual y el arte han sido pilares rupturistas en más de una ocasión. Así se formateó la España post franquista de los 80’s que, gracias a la ambigüedad y el talento, dejó legados y movimientos. En esa ola, la iniciática “Pepi Luci Bom y otras chicas del montón” fue más que una película: fue un tratado plástico, musical y fílmico, con la marquita del Movimiento Madrileño en el corpiño. Incorrecta y punk, la filmina abre con la espléndida Carmen Maura y el negocio frustrado. Al rato, revanchismo; luego, canción a-lo-Alaska (y sus Pegamoides), sadomasoquismo y gracia. No hay represión que resista ni cámara que quiera correr. En su debut, Almodóvar logró la dosis perfecta de ridículo y rebelión ¡Aunque la revolución haya quedado en manos de la publicidad! Porque dice eso ¿no? ¿¡No!? ¿Será que la nueva era comenzó y terminó el mismo año ('80)? ¡Larga vida al referí de Erecciones Generales! Que la videoteca lo tenga en su gloria.

"MURCIANA", el tema punk queer de Alaska (con Kaka de Luxe)

Si él lo dice...

2008-04-08T13:04:00.001-07:00

¿Qué es ...?

2008-04-08T13:04:00.000-07:00

"El cine no es una magia, es una técnica y una ciencia, una técnica nacida de una ciencia puesta al servicio de una voluntad: La voluntad que tienen los trabajadores de liberarse".

ASIER MENDIZABAL

MACBA - BARCELONA

Saturday Night Live

2008-02-18T21:05:00.001-08:00

"¿Sabés por qué los chinos no usan este dedo?...

Porque es mío"

(Natalia, en Sábado, de Juan Villegas)

El film Sábado, del realizador y ex crítico de cine Juan Villegas, salió al mundo en el 2001, postulando la nueva bandera de relaciones y a la comunicación como brecha espacio/temporal que disgrega, cuando no desintegra. Una película sobre llamados desde teléfonos públicos que siempre dan en contestador automático. Una oda al absurdo, a la profundidad del absurdo, a la contrarrevolución del gag sinsentido.

Desde una postura (semi) filosófica, el absurdo es escéptico frente a los principios universales de existencia. Lo importante es la creación de un sentido particular, mientras la vida aparece insignificante por sí misma.
Si la vida es inherentemente absurda, entonces, las tramas parecen carecer de significado, los diálogos son repetitivos y la falta de secuencia dramática, onírica. Escondido está el cuestionamiento a la sociedad, al hombre.
El verdadero existencialismo.

Una inglesita más... Y van...

2008-02-18T21:05:00.000-08:00

Adele

Con 19 años (y disco homónimo en carácter numérico), Adele es la nueva voz de las islas pirata que, con madurez vocal y aciertos en el plano Historia, aprovecha la racha Allen-Winehouse-Nash y se sube a la vorágine de chicas-con-historias-en-serio. Ninguna teen; una señorita de la canción.

http://www.youtube.com/watch?v=Ft5bjE0U0To
La nena & "Chasing Pavements"

Say Anything

2007-11-21T22:06:00.000-08:00

¡Imposible saber si es una técnica o un encuentro de tercer tipo! Lo cierto es que -aún sin secuelas- hay personajes que se atrincheran en la filmina y hacen un rol play de sí mismos año tras año, hollywood tras hollywood. Ese es Rob Gordon. Bah, ese es Lloyd Dobler. Porque antes de convertirse en un melómano ególatra en hi fi (luego, heartbreaker de Julia Roberts y otros imposibles norteamericanos), John Cusack se le animó a un film donde había que sostener un equipo de música ¡y aguantar toda una canción de Peter Gabriel! Pero valió la pena, sobre todo si la consecuencia inmediata fue protagonizar una de las escenas más míticas de los 80's. ¡Sí, más aún que los rat-pack! Increiblemente "In your eyes" hizo su parte, logró su cometido sentimentaloide en el primer film de Cameron Crowe (sí, sí, el mismo tipo que dirigió al insípido Orlando Bloom en Elizabethtown y al ¡oh! insípido Tom Cruise en Vanilla Sky y Jerry Maguire; pero -ojo- que de Casi Famosos no hay nada para reprochar). Y el mito sigue en vhs o el menos demodé dvd ¡Ver ("Say Anything") para creer! Pero después no digan que no les avisé: se repite un personaje. Es Cusack haciendo de Cusack haciendo de Lloyd haciendo de Gordon haciendo de Trager o Jake o Eddie Thomas. O whatever.

El Pornógrafo, de Juan Terranova

2007-11-04T20:17:00.000-08:00

Diario del pajero virtual

Por Guadalupe Treibel

Los nuevos tiempos traen nuevas tecnologías y, parte del rito social, es notar el cambio o, al menos, hacerlo carne, perpetuarlo hasta que la nueva oleada paradigmática voltee la novedad y la convierta en polvo. Y, si de polvo se trata, nada mejor que "El pornógrafo".
Editada en el 2005, la obra de Juan Terranova es hija de su tiempo y de un buen revolcón entre la influencia de nuevos soportes mediáticos y la literatura clásica. Porque -irónicamente- el libro de papel simula una transcripción de chat virtual donde el sexo y la tecnología describen la forma porteñizada del (con todo respeto) pajero de clase media.
"¿Y ese quién es?", se preguntará más de uno. Es el tipo de buen pasar que se enamora pero lo dice tibiamente; que se refiere a la mujer como a una puta cuando le hace "todo el servicio"; que larga sarcasmo tras sarcasmo; que piensa en sexo -siempre-; que cree que una chica "con 14 años ya es una mujer"; que usan metáforas futboleras para hablar de polleras.
Habrá quien vea en el pajero de clase media la fórmula del macho 100 % argentino (un cavernícola con banda ancha), pero -si se presta atención al detalle- la sutileza habla de una historia de amor (bah, dos, la de los ambos protagonistas). Porque detrás del chat está la necesidad de menguar la soledad, la ausencia de lazos. Pero, claro, los tipos no lo saben; al menos, no del todo. Y así se perfilan... tan cínicos, divertidos y, por qué no, reales.
Así nomás, con ese entramado de ideas, "El pornógrafo" anuncia la llegada del tiempo del placer y la derrota de la inocente búsqueda de la (tan abstracta) felicidad. Aunque habría que comenzar por preguntarse si esas ideas son excluyentes o, más bien, complementarias. Si el placer es un villano con antifaz de cuero, "El pornógrafo" habla de la llegada del anticristo. Si, en cambio, el goce está bien visto y no hay prejuicio, entonces la fiesta after office es 2x1.
De todas formas, los prejuicios son inevitables cuando se habla del gran tema tabú de todos los tiempos: el sexo. Incluso para los protagonistas. Ginecólogo y fotógrafo pasean por historias ajenas y propias desde el lugar común y la curiosidad y, aunque chatean sobre todo, sus opiniones tienen algún que otro reparo. Por ejemplo, no se animan a pedirle sexo anal a sus chicas, se sorprenden con algunos datos o "estadísticas" acerca del desarrollado mercado porno, se paralizan frente a ciertos gustos de señores y señoritas, etc.
De todas formas y más allá del contenido, hay que reconocer una realidad: "El pornógrafo" es una novela religiosa que proclama un dios de bronce, el ¡Oh, Internet todo-poderoso! Porque la sabiduría es pulsión que toma la forma de sexo y la fuente de ese conocimiento es la web. Mitos, leyendas o datos fácticos son verificables ¿dónde? ¡En internet! "Buscalo online" es la validación típica de Mirko y Nemo, los protagonistas. No es raro para un autor como Terranova que, nacido en el '75 en Buenos Aires, es "fanático de la web, de los rinocerontes y de las historietas de Robin Hood". Si a eso sumamos sus aportes diarios a weblogs como elcocinerosalvaje.blogspot.com -donde opina de libros, política, cine, entre otras cuestiones-, Juan se convierte en un autor inmerso en su tiempo (y su correspondiente novedad tecnológica). Ya en 2003, en su libro "El bailarín de tango", el acento estaba puesto en el teléfono y la historia partía de la charla entre dos mujeres.

Da gusto que alguien se haga cargo de su época. Lo bueno y lo malo reflejados en una charla fragmentaria y verosímil. Ok, la charla mengua, se entrecorta, empieza y termina, historia sin historia pero con una gran historia detrás. Sin embargo, ese hilo breve, que tiene que volver a anudarse por capítulo, es un retrato de tiempo. En los años 2000, mensaje de texto, messenger y email... Hay una reconfiguración de la oralidad y la gráfica que convierte a todo sujeto en sujeto fragmentario ¿Entonces? ¡Un aplausa para el asador! Porque Terranova sabe cómo se habla hoy y pone toda la carne al fuego. El resultado es jugoso; de a ratos, un tanto crudo.
En general se considera que los objetos técnicos teorizan el progreso, marcan el avance social, ayudan a armar una manera de ser y estar. La sociedad pre-imprenta es distinta a su versión post y esa dinámica se repite con el telégrafo, el teléfono y ¡la bendita Internet!, entre otras innovaciones comunicacionales ¿Cuál es la evolución que marca "El pornógrafo"? La de la posmoderna cita online, la de la amistad pasteurizada por el teclado y su inexpresividad latente.
En retrospectiva, Terranova tiene un gen destacable: la búsqueda. La variedad de temáticas y formas de encarar historias se hace exponencial con su última obra "La virgen del cerro" (2007), una crónica editada por Sudamericana que lo encuentra en plena peregrinación a Salta. Ya desde su primera novela se suma un interés estilístico por contar cosas pero de otra manera: con "El caníbal" (2001) le abre la puerta a los recortes de diarios y chismes de revista. No por nada, Juan José Saer dijo sobre este libro: "Collage y sátira, miscelánea caótica del presente, esta primera novela, con un desparpajo estilístico del que existe una larga tradición en la literatura argentina, evoca las encrucijadas actuales de la ficción, entre risas juveniles, cínicos vagabundeos y exactas reflexiones." Se acabó lo que se daba, che.
En la línea bibliográfica, Terranova suma varias publicaciones. "Notas de un viaje a Italia", "El Coleccionista", "El ignorante" y su relato "Diario de un joven escritor argentino", incluído en la antología "La joven guardia", se agregan a los ya mencionados "El bailarín de tango", "La virgen del cerro", "El caníbal" y, por supuesto, "El pornógrafo".
"Si sale alguna tecnología nueva, la pornografía es la primera que la capta", explica Nemo. Claro, así Terranova cierra el círculo tecno-porno y lubrica la trama. Lo mismo cuando define a ambas como "evolutivas". Progreso y poder de la mano de un puñetero feliz e informado. Porque el que sabe, primero sabe de sexo y es la voz cantante de la obra. Primero será Mirko el articulador, el que interesa más. Luego, trabajo con el verdadero pornógrafo ("el fantasma porno") mediante, le llega el turno a Nemo.
Pero ¡a no solemnizar! Que ni Terranova lo hace. En un artilugio discursivo, un guiño hacia el lector, el autor ironiza sobre la propia validez de su obra, la idea central, su todo... "¿A quién carajo le puede interesar ponerse a revisar lo que chatea la gente?", se pregunta uno de los protagonistas. Y el otro responde, sin dudar: "Solamente a un oligofrénico". O el lector es idiota o algo se le escapa al ginecólogo y su amigo fotógrafo. Mejor votar por la opción B, sino perdimos 218 páginas de nuestra vida en un diario virtual de dos pajeros de clase media con historias de sexo de gente ¿común?
¿Común? Mmmm, puede ser. En definitiva, hay de todo. Lo dice Terranova: "Acabadas, amateurs, anal, animé, asiáticas, bizarro (con enanos negros, etc), bondage, chicas solas, celebridades, celebridades trucadas, colegialas, embarazadas, embarazadas adolescentes, exhibicionistas, faciales, fetichismo, fisting, fotos muy cerca, hard fucking, gordas, interracial, juguetes y aparatos, látex, latinas, lesbianas, lluvia dorada, mujeres que fuman, mujeres en patines, maduras, objetos, oral, hard oral sex, panties, playmates, polleritas, pornostars, sexo estetizado, sexo grupal, sexo simulado, teens, tetas, travestis, uniformes deportivos, uniformes escolares, uniformes militares."

Joanna Newsom

2007-10-07T13:04:00.000-07:00

Ella es la voz de "había una vez"...

Esta es una pequeña muestra de su primer disco.

"Ys", su segundo trabajo, es aún más radical y precioso.
Como "Laberinto".
Pero no.

José González

2007-06-13T12:29:00.000-07:00

Sueco, hijo de argentinos.
De su primer disco, "Veneer"...

Phoenix

2007-04-29T16:25:00.001-07:00

Phoenix

Se llaman como un estado norteamericano.
Son franceses.
Cantan en inglés.
Hacen pop.

Y este tema está buenísimo...
Del disco "It's never been like that", va el track n° 4, "Long distance call"... I hope U like it!

Bonnie & Clyde

2007-04-29T16:25:00.000-07:00

Bonnie & Clyde

Por Guadalupe Treibel

El cantante, actor y oscuro amante francés Serge Gainsbourg compone esta canción para Brigitte Bardot, con quien estuvo vinculado hacia fines de 1967. El resultado es un tema de antología, con una guitarra mágica que vuela, un video algo extraño y un par de armas humeantes. La bella y la bestia en una digna representación de los míticos ladrones de banco Bonnie Parker and Clyde Barrow.

Y ahora, el maravilloso videoclip!

Las Mantenidas Sin Sueños

2007-04-22T00:13:00.000-07:00

Tiempo de volver

Por Guadalupe Treibel

Después de dires y diretes, de vaivenes comerciales y problemas de cinta, los realizadores Vera Fogwill y Martín Desalvo alcanzaron el ansiado estreno de "Las mantenidas sin sueños", su ópera prima, en la última edición del 9° Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI).

En los 97 minutos de film, la mirada desgarrada del Nuevo Cine Argentino se deshace y, desde el humor, se abre el universo de personas/personajes que eligen una realidad patética, que abrazan el desencanto con extraña naturalidad. Así, el clasismo se desintegra por elección propia y un intimismo súper femenino juega con formas y fondos de colores.

"Las mantenidas sin sueños" logra el imposible... resquebrajar los estereotipos de la cinematografía social, el juego de perspectivas argentino. Los roles son de humo, intercambiables y serenos.

Sin golpes bajos, las actuaciones de la propia Vera y -la entonces pequeña- Lucía Snieg retratan situaciones difíciles con magia y el efecto evidente se cae. La condición da un giro de 180 grados y la infelicidad no es tal, la miseria no es determinante... no hay cielo ni infierno, sólo tierra rosa, roja, marrón.

Con soundtrack original, la música de Babasónicos es precisa, es radio, diario, canción. Acompaña al dedillo y se amalgama a las situaciones con absoluta (y necesaria) sencillez.

Así, la promesa de Fogwill y Desalvo se abre de par en par y llama al relato sincero, a la mirada desprejuiciada, a los mitos rotos, al cuestionamiento inocente de los lugares comunes.

Pont des Arts, París

2007-02-21T07:38:00.000-08:00

Se me perdió un paraguas...

Alguien lo vio?

Julio lo vió!

Marie Antoinette

2007-02-06T20:53:00.000-08:00

"María Antonieta" es un film hermético, casi agobiante. Con su maravillosa búsqueda estética y un recorte de realidad particular, Sofia Coppola elige una mirada casi ahistórica, pero -irónicamente- da en la tecla y logra la representatividad que persigue: el perfil de la reina-mito, reina-abeja... mujer sin cabeza. La versión punk de la aristocracia francesa de fines del siglo 18.

PD: Gracias por Ceremony, de New Orden! Sencillamente perfecto.

Crazy, de Gnarls Barkley

2007-02-01T20:22:00.001-08:00

No sólo la canción es divina... el video es maravilloso!
Y el nombre de la banda, impronunciable.
Veanlo, después me cuentan!

El laberinto del Fauno

2007-01-20T15:02:00.000-08:00

El jardín de senderos

que se bifurcan

Por Guadalupe Treibel

Sadismo y fantasía conjugan tiempo y espacio en el nuevo film de Guillermo del Toro. "El laberinto del Fauno", co-producción mexicana-española, es un bien preciado, un recurso escaso que arriesga con su doble apuesta: velar por la imaginación y denunciar la ideología dictatorial franquista.
El laberinto es una salida, un camino de tiza, la senda verde, mientras el monte resiste y la brutalidad se hace más y más presente, abierta y determinante.
Así, el aire opresor fortalece el escapismo de nuestra princesa -la pequeña Ofelia- y da aires de realidad a un cuento, una creencia o una verdad.
La España de 1944 presenta un mundo del hombre que lastima, pero la opción está en la magia y el Fauno -estupendamente personificado por Doug Jones- ofrecerá una llave.
Durante 112 minutos de cinta, el realizador de "El espinazo del diablo" (2001) abre el juego y regala una mirada que el espectador puede -o no- elegir. Lo pone en el aprieto de definir su carácter, determinar su sensibilidad.
Con las destacadas actuaciones de Sergi López, Maribel Verdú e Ivana Baquero y excelentes efectos visuales, "El laberinto del Fauno" es un film necesario que habla de la condición humana con crudeza y honestidad, desde la inocencia del niño y la brutalidad del hombre.

La ciudad y los perros

2006-12-06T10:14:00.002-08:00

Sálvese quien pueda

Por Guadalupe Treibel

Cuando en la década del 60 la literatura empezó a tomar un rumbo tangencial, los estilos se diversificaron y las historias comenzaron a hacer referencia sobre un mundo en crisis, con valores cambiantes y perspectivas enclenques.

En "La ciudad y los perros" (1963) -el libro que le significó reconocimiento internacional-, el peruano Mario Vargas Llosa logró plasmar en papel los matices de la condición humana... no hay buenos ni malos, no hay bandidos sanguinarios amorales ni héroes con estómagos de hierro. Hay personas... niños y adolescentes con un entorno familiar conflictivo, que asisten a un colegio militar que impone códigos únicos (y que -con el tiempo- se manifiestan reprobables).

Así, moral, violencia, responsabilidad, virtuosismo y honorabilidad son parte de un entramado que se oscurece y blanquea a cada rato y sufre el devenir de las circunstancias.

Con su apertura a distintas voces y una honestidad visceral, Vargas Llosa invita al análisis y a la crítica del concepto de virilidad, la manera de crecer y el lugar de las instituciones en un mundo que se mancha y nos macha, donde las banderas y los dogmas se pierden, se queman, se disuelven a cada rato, hoy, ayer y siempre.

Oesterheld

2006-12-06T10:14:00.001-08:00

GUIONISTA DE LA HUMANIDAD
Yo soy tu bandera

Héctor Germán Oesterheld fue una de las tantas víctimas que se cobró el Proceso. Su militancia y su práctica social se sirvieron de las historietas como herramienta de conciencia popular, ensalzando la figura del héroe grupal -tal como lo demuestra "El Eternauta"-.
Por Guadalupe Treibel

Cuando los fusiles mueven cuerpos y el terror les sirve de escudo fiel, sólo las ideas agitan mentes y alguna pluma valiente explota el verdadero sentido de libertad y humanismo. Es el trazo firme el que rescribe la Historia...

Durante la cruenta dictadura del '76, Héctor Germán Oesterheld se sirvió de tinta y coraje para militar por un proyecto de país nuevo y su verdad le costó la vida. Su compromiso político, la afiliación a la agrupación Montoneros, su biografía en historieta sobre el "Che" Guevara, las críticas implícitas de su Eternauta, significaron la persecución y detención del guionista, que en 1977 fue arrestado por las fuerzas armadas de La Plata. Era claro... el poder del terror no admitía margen para la imaginación teórica.

Pero antes de que lo "chupara" el terrorismo de Estado, Oesterheld cimentó las raíces de la leyenda.

Hijo del inmigrante alemán Fernando Oesterheld y de Elvira Puyol -estancieros de alto nivel socioeconómico-, la primera vocación de Héctor fue la Geología y las Ciencias Naturales. Recién cuando se casó con Elsa Sánchez y juntos formaron una familia, el hombre se convirtió a las letras y optó por los cuentos, la prensa y las historietas...

"Sus cómics querían dejar una enseñanza, valores positivos, de lucha, de valor, de unidad. Héctor reinventó el lugar de la historieta, le dio un nuevo significado", explicó la viuda del escritor en más de una oportunidad.

"El único héroe válido es el héroe 'en grupo', nunca el héroe individual, el héroe solo", declaraba Oesterheld desde el prólogo de una de las ediciones de la obra más importante de la historieta argentina, "El Eternauta".

"Héctor creía en las personas y en el poder de la educación. Ante todo, era un humanista", comenta Elsa. Sus historias eran elaboradas con dosis justas de realidad insertas en una ficción que llamaba a la reflexión social, al encuentro de uno con el otro, de uno con su país, con la desgracia, con el saber, con la ternura, con la compasión y el valor.

Según el dibujante y co-autor de "El eternauta" Francisco Solano López, "El encanto de la capacidad narrativa de Héctor cambiaba la visión de los editores capitalistas". Ese era uno de sus superpoderes, al igual que la sensibilidad y el sentido de realidad y pertenencia.

Fue su lógica de ideales compartidos, de lucha en comunión, la que impregnó la esencia de la persona y el carácter de su obra, la obra que lo sobrevivió, la obra que conocemos, la obra que aún hoy enseña.

Caricatura de Oesterheld, por Alberto Breccia

Vincent

2006-12-06T10:14:00.000-08:00

Un breve sobre...
Vincent
De Timothy William Burton

El estigma Burton arranca en 1982 cuando el director realiza su primer cortometraje, "Vincent". En esta animación stopmotion, Burton cuenta -con oscuridad divina y un texto maravilloso- la historia de un chico de 7 años que cree ser Vincent Price. Seis minutos alcanzan para marcar toda su filmografía y la autorreferencialidad de sus films.

Super ultra mega RECOMEDABLE!

Un detalle (nada) menor: la voz en off que narra es del mismísimo Price.

Roberto Arlt

2006-11-26T20:19:00.003-08:00

Autobiografía

por Roberto Arlt

He nacido el 7 de abril del año 1900.

He cursado las escuelas primarias hasta el tercer grado. Luego me echaron por inútil.

Fui alumno de la Escuela de Mecánicos de la Armada. Me echaron por inútil.

De los 15 a los 20 años practiqué todos los oficios. Me echaron por inútil de todas partes.

A los 22 escribí "El juguete rabioso", novela. Durante cuatro años fue rechazada por todas las editoriales. Luego encontré un editor inexperto.

Actualmente tengo casi terminada la novela "Los siete locos". Me sobran editores.

Lecturas actuales: Quevedo, Dickens, Dostoievsky y Proust.

Curiosidades cínicas: me interesan entre las mujeres deshonestas, las vírgenes, y entre el gremio de los canallas, los charlatanes, los hipócritas y los hombres honrados.

Certidumbres dolorosas: creo que jamás será superado el feroz servilismo y la inexorable crueldad de los hombres de este siglo.

Creo que a nosotros nos ha tocado la horrible misión de asistir al crepúsculo de la piedad, y que no nos queda otro remedio que escribir deshechos de pena, para no salir a la calle a tirar bombas o a instalar prostíbulos. Pero la gente nos agradecería más esto último.

El hombre en general me da asco, y tengo como única virtud el no creer en mi posible valor literario sino cinco minutos por día.

Texto publicado en "Cuentistas Argentinos",

Editorial Claridad,

Buenos Aires, 1929.

La fiesta interminable

2006-11-26T20:19:00.002-08:00

24 Hour Party People

Manchester 1970-1990: Del post-punk al movimiento rave.
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La biblia de Tony Wilson, en un film de Winterbottom.

www.partypeoplemovie.com

(Quotes de la película)

Tony Wilson (Steve Coogan): "June the 4th 1976, the Sex Pistols play Manchester for the very first time. There are only 42 people in the audience, but every single one of them is feeding on a power and energy and magic. Inspired, they will go out and perform wondrous deeds. For instance Howard DeVoto in the front, Pete Shelley in the back. They organized this gig. They're way ahead of everyone in Manchester. They're already the Buzzcocks. Howard later sleeps with my wife. Behind me, the Stiff Kittens, soon to become Warsaw, later to become Joy Division, finally to become New Order. Ginger Mick Hucknall. That's John the postman, he's a postman. And that guy dancing at the front, that's Martin Hannah, the only bonafide genius in this story. Well one of the only two bonafide geniuses in this story. He will later try to kill me."

Tony Wilson (Steve Coogan): I would describe it as history.

Charles (John Thomson): History? How could it be history? There were only 42 people at the gig.

Tony Wilson (Steve Coogan): Well, what difference does that make? How many people were at the last supper?

Charles (John Thomson): Twelve. Well, uh thirteen if you include Jesus, but it's not historically documented.

Tony Wilson (Steve Coogan): In other words not many. How many people were at the murder of Julius Caeser?

Charles (John Thomson): I dunno Tony, you tell me.

Tony Wilson (Steve Coogan): Five. So shut up then.

Tony Wilson (Steve Coogan): I'm being postmodern, before it's fashionable.

Tony Wilson (Steve Coogan): And tonight something equally epoch-making is taking place. See? They're applauding the DJ. Not the music, not the musician, not the creator, but the medium. This is it. The birth of rave culture. The beatification of the beat. The dance age. This is the moment when even the white man starts dancing. Welcome to Manchester.

Welcome to Manchester!

It's been a long long long time...

2006-11-26T20:19:00.001-08:00

It's been a long long long time,
How could I ever have lost you
When I loved you.

It took a long long long time
Now I'm so happy I found you
How I love you

So many tears I was searching,
So many tears I was wasting, oh. Oh

Now I can see you, be you
How can I ever misplace you
How I want you
Oh I love you
You know that I need you.
Ooh I love you.

From The White Album: Long, Long, Long (1968)

-5 Años Sin Harrison-

El álbum banana

2006-11-26T20:19:00.000-08:00

The Velvet Underground & Nico

Producido por Andy Warhol

Sólo puedo decirles que ES MENESTER que escuchen este disco, "the banana album".

Editado en 1967, el album fue producido por el hombre-insignia del Pop Art Andy Warhol, que insistió para que incorporasen a la formación -liderada por John Cale y Lou Reed- a la modelo europea Nico (que voz grave che!)

El resultado, 11 tracks estupendos...

* Sunday Morning

* I'm waiting for the man

* Femme Fatale

(un paréntesis: la original es preciosa, pero la versión que hace la banda power pop Big Star en el '78 también es una cosa de locos!)

* Venus in furs

* Run Run Run

* All tomorrow's parties

* Heroin

* There she goes again

* I'll be your mirror

* The Black Angel's death song

* European Son

Sólo resta agregar... PEEL SLOWLY AND SEE

Programas de TV bizarros

2006-11-26T10:52:00.008-08:00

Ya se que estoy piantao

por Guadalupe Treibel

La televisión no es una "caja boba". Es una masa sin forma, llena de brillantina, que habla de todo, cuenta más de lo que tiene para decir, juega con los límites de la realidad audiovisual -que ella misma produce-, nunca duerme y a veces sonríe. Con los canales de cable, su potencialidad técnica le abrió la puerta a algunas voces "extrañas" o "artísticas" y, desde entonces, lo bizarro quedó instaurado en el lado más oscuro de un medio que subestima las posibilidades que ofrece el ridículo.
El ejemplo paradigmático del enrarecimiento de la televisión es "El Banquete Telemático", programa semanal que Canal Á comenzó a transmitir en 1994. Dedicado al debate y la promoción del arte plástico contemporáneo, el envío duraba media hora y, poco a poco, se convirtió en un "show" de culto por la extravagancia estética y el discurso complicado -casi onírico- de su conductor, el artista checoslovaco Federico Klemm.
Hijo de un ex soldado nazi, Klemm comentó en una ocasión: "Ante la estupefacción y la incredulidad de todos, llegué a hacer mi propia obra; yo era un personaje que cantaba ópera, algo propio de la performance, y mi parte pictórica estaba dormida". Sus obras eran pastiches, donde todo era posible: estilos incompatibles se mezclaban con cirugías plásticas, pantalones de cuero y un dorado demodé en su pelo, su campera y sus cuadros.
En su incursión por las distintas áreas del campo cultural/artístico, este hombre se autoproclamó artista y, con palabras de grandilocuencia y divinidad, alcanzó un lugar mítico en el 2002, cuando murió repentinamente.
Otro hito de la televisión bizarra y el kitsch nacional es "El mundo de Ante Garmaz", donde el diseñador de moda -supuesta alta costura- usaba la rima y las frases contagiosas para imponer pequeñas tendencias entre sus seguidos. El tema de apertura del programa ("New York New York" en la voz de Frank Sinatra) ha quedado en la memoria de la gente y la música todavía recuerda al modisto croata bajando por las escaleras de la escenografía mientras el dorado y la brillantina llenaban la pantalla.
En "A Pleno, Verónica Lercari", lo bizarro toma otra forma: la gimnasia poco tradicional del método Verler, que combina movimientos de ballet, ejercicio localizado y un sentido del humor extraño que proclama "Arriba las tetitas".
Su creadora y conductora, Verónica Lercari, es una ex bailarina de ballet que decidió abandonar su puesto como reserva del teatro Colón a los 22 años y elegir una vida sin violencia. "Me decían que siguiera practicando aunque me sangraran los dedos del pie y yo no podía aguantar ese horror", dice la mujer que, a los cuatro años, fue al teatro y quedó maravillada con la manera en que se modelaba la musculatura de "esas diosas con piernas largas".
"A pleno" es un programa de Plus Satelital donde sobran las metáforas para el cuerpo y el humor bizarro. Además, los movimientos están regulados por el sonido de una pandereta que Verónica, de pequeña contextura, mueve durante la media hora de emisión.
Tras estudiar el cuerpo humano con dedicación, Verónica creó su propio método de ejercicio para señoras. "¿Dónde encaja la mujer que ya pasó la edad para hacer ballet pero que aún siente el deseo de practicarlo? Yo le doy un lugar a esa mujer en mi academia.", dice Lercari.
Luego, mira a uno de los dos esqueletos que decoran su blanquísimo despacho y comenta que el de su izquierda se llama Gregorio. "La gente asocia los huesos con la muerte; para mí, son hermosos, duros y resistentes. Su tejido es fabuloso. Son la vida misma", explica con seriedad.
Más allá de los gustos personales de los televidentes, lo cierto es que la televisión bizarra abre la puerta a maneras diferentes de concebir lo simple y lo complejo: el arte, la vida, el deporte, la gimnasia, la costura o el color dorado.

La Madrina del PuNk!

2006-11-26T10:52:00.007-08:00

Patti Smith en una entrevista con Lisa Robinson en 1977:

"No considero que escribir sea un acto silencioso, introspectivo. Es un acto físico. Cuando estoy en casa, con mi máquina de escribir, me vuelvo loca. Camino como un mono. Me humedezco. Tengo orgasmos. En vez de inyectarme heroína, me masturbo catorce veces seguidas. Tengo visiones. Naves descendiendo sobre las pirámides aztecas. Templos. Así es como escribo mi poesía".

Son, de Juana Molina

2006-11-26T10:52:00.006-08:00

Canciones verdes y rosas

En su cuarto y último trabajo discográfico titulado Son, Juana Molina retoma las estructuras musicales de Tres Cosas, evita la innovación y continúa el juego con las formas despojadas y "llanas" de su voz.

Por Guadalupe Treibel

Para remontar un barrilete, hace falta que el viento se disponga y sople. Es necesario que el clima construya la condición perfecta para el despegue y el hombre o la mujer que sostiene el hilo sepa que el juego puede resultar, que el barrilete quiere y puede volar.
A semanas de su salida en el mercado discográfico, se ve que en Son hay brisa, hay un dulce intento de arremeter contra las formas terrestres y escalar la torre de metales hasta alcanzar el cielo azul y los matices verdes de una forma más natural de ser. Sin embargo, los acordes se mantienen templados y Juana Molina no logra que el vuelo sea radical, atraviese el horizonte anaranjado y avance en la ruta que comenzó con Rara y alcanzó su punto cúlmine en Tres Cosas.
Hay quienes son sus canciones y Juana no escapa de sus letras, de sus invenciones sonoras. Con una voz desencajada, logró el equilibrio ideal entre la nada y el minimalismo anecdótico y una liviana profundidad. En la descripción de situaciones/sensaciones, su mirada extrañada sobre personas/personajes explica una forma de entender el mundo que poco tiene de chistoso.
Otros tiempos corren para Molina, radicalmente diferentes a aquellos en los que trabajaba con Antonio Gasalla o debutaba actoralmente en "La Noticia rebelde". Finalmente ha logrado escapar del estigma de "Juana y sus hermanas" para posicionarse como música seria, elogiada por medios internacionales y pares. El tema de la televisión le molesta abiertamente; no lo oculta.
Alejada de la sobredosis informatizante de la urbe, Juana transmite la sensibilidad de las cosas y re-activa una suerte de animismo moderado a conciencia para hablar de una búsqueda y una ideología: Se posiciona dentro de la tradición nacional para proyectar más allá de las fronteras y hablar de alma del mundo, que es uno y es de todos, para todos.
Con Rara (96), su debut discográfico editado por Gustavo Santaolalla, el clima de extrañamiento es absoluto. Es el primer paso de una nueva manera de hacer arte para Juana y, en sus letras, muestra que la búsqueda ha comenzado. Temas como "En los días de humedad" o "Rara" son suaves muestras del estado melancólico de la cantautora. Las construcciones no son perfectas, pero sí ideales. Es la voz que susurra la que cuenta secretos; cada canción suena a confesión y no teme preguntarse "¿Qué hacer?" una y otra vez.
Cuatro años más tarde, con post-producción del gran Daniel Melero, llegaría Segundo, donde ya hay un rumbo trazado y lo electrónico es utilizado cuidadosamente como un elemento más que hace su aporte al alma "acústica" de los temas. Con ese marco, Juana se mueve entre mitos populares, tradición y enojos vecinales. Y cuando sobra tiempo, se produce la mágica externalización del interior. Segundo es elegantemente radical, casi vanguardista. Invita al trance y convoca a la suspensión absoluta.
Sin embargo, Juana alcanzaría la atención local con el respeto de la crítica internacional y los elogios del New York Times para su tercer trabajo discográfico, Tres Cosas. Así, la atención del público viró hacia sus canciones y finalmente se produjo la aceptación de su nueva forma de hacer arte, la forma musical.
Tres Cosas continúa con las mixturas sonoras pero la precisión va más lejos y cada nota está usada con un fin estético superior. No hay errores técnicos; las canciones son poesías rosas que vuelven a reclamar frente a la violencia del progreso y piden un suspiro para la naturaleza y para el hombre. Los tiempos de cada tema son manejados cuidadosamente; la guitarra marca la exaltación moderada cuando resulta necesaria.
Finalmente, en pocas semanas llega Son, su cuarta y última obra, donde Juana arremete -una vez más- contra la brutalidad de la modernidad y refuerza su imagen de cantautora naif que se anima a la conciencia, a pensar fuera de los casilleros, a pedir sentimiento y sentido.
Con la ya clásica participación de Ale Franov y la colaboración de Martín Ibarburu, la ex "Juana y sus hermanas" juega con la misma lógica que consolidó en Tres Cosas y -tristemente- no trae novedades. Si bien el disco suena adecuado y habla en los márgenes de corrección que Juana construyó, pareciera no haber ideas nuevas. En Son no hay intento de superación, sólo re-elaboración y usos extremos de viejos elementos. La repetición de los tiempos es una insistencia militante que busca imponer un concepto.
"El tiempo ha terminado... Mirá lo que quedó.", canta Molina en uno de sus tracks. Es esa misma clausura que Juana anuncia la que afectó su voluntad de innovación y así se termina perpetuando la lógica de estabilidad estructural que Molina tanto critica.
Son cruza la inocencia de la canción con lo potencialmente hiriente de la niñez reprimida. En "Desordenado", por ejemplo, cuenta cómo la hija se enoja con la madre que irrumpe en su cuarto, mueve las cosas de su lugar de origen y nunca pide perdón.
Las historias aparecen envueltas por una voz seca, directa, lisa, sin vibrato, que refuerza la propuesta "natural" y orgánica de mantener el entorno intacto. En esa línea, Juana afina a la perfección y usa palabras derivadas de su hablar cotidiano.
Si la repetición recurrente hace al caracter opresivo de Son, esa misma repetición permite la liberación. La disposición de las notas permite que la mente divague, vuele... Una vez más, el trance se funde con el universo cotidiano de las cosas.
Fanática de Regina Spektor, Animal Collective y Devendra Banhart, Juana Molina impregna su obra de locura suave. Una armonía muy zen, muy religiosa, prevaleve por sobre todo lo demás.
Juana da sus conciertos sola y loopea cosas que toca en el momento. Son es un disco preparado para tal fin, para ese vivo solitario que implica un manejo distinto de los tiempos y permite una libertad de ritmos nueva. De esta manera, aparece la noción de que -para Molina- no hay nada consolidado per se.
En el producto final, el arte de tapa del disco no es algo menor. La maravilla pasa por la mezcla de textura y la explosión de color. Con cada producción discográfica, Juan logra reinventar su imagen y la tarjeta de presentación aporta en sensación a la música.
Es imposible desestimar la validez musical de Son. Sin embargo, si se lo compara con otros discos de Juana, no es un paso hacia adelante. Tampoco en falso. Simplemente se mantiene ahí, en el lugar de la fórmula probada. De todas maneras, cada tema es un abrazo cálido que nos invita a entrar en un estado de suspensión mental total y respirar aires de cambio y arte. Un poco de verde y rosa en tanta urbe gris, tanto cielo negro, tanta tierra seca.

Picado Fino

2006-11-26T10:52:00.005-08:00

NUEVOS CLÁSICOS: PICADO FINO
Te amo, te odio, dame más

Por Guadalupe Treibel

Cuando apareció en 1998, "Picado Fino" tuvo problemas para ser enmarcado dentro de algún género cinematográfico. Su alejamiento de las fórmulas comerciales del séptimo arte y un uso extremo de la experimentación -con representaciones anti-naturalistas del mundo y los personajes- la hicieron imposible de catalogar.
Con guión y dirección de Esteban Sapir, "Picado Fino" habla del amor, el odio y las aspiraciones con honestidad agobiante. El film potencia un clima de opresión, que se ve acentuado por el blanco y negro, la estética espasmódica y la búsqueda de un formato de videogame -abolida la profundidad de campo, cortados los cuerpos y siempre presente el caminar lateral-.
El mundo juvenil que se construye aparece sumergido -y sin aparente escapatoria- en un sistema que reproduce un habitus autoritario y disciplina el cuerpo del otro. Será esa rutina aplastante y el entorno alienado los que lleven al protagonista (irónicamente llamado Tomás Caminos) a la desesperación y al camino de la droga.
Sonidos y ritmos tienen una cadencia aplastante y autoritaria. Marcan el tiempo, las horas del reloj, las lecturas de Tomás o su abuela, incluso los diálogos. Aumentan hasta alcanzar un expresionismo deformante, hasta hacer incompresible e intolerable la palabra que el espectador espera.
La enfermiza monotonía se expresa también en las formas de cada plano, cada elemento. Hay un predominar de figuras geométricas duras, con sus líneas bien marcadas. Todo es absolutamente lineal, recto... Hay flechas que marcan rutas y Tomás Caminos las sigue. No duda. Es uno más en la rutina, en conservar y continuar lo hegemónico-represivo. Su hijo hará lo mismo indudablemente y, así, la máquina se seguirá reproduciendo.
Con una búsqueda estética armada de pies a cabeza, Sapir hace de "Picado Fino" un film necesario para los tiempos de color y fórmulas comunes. El malestar visual y la incomodidad interpelan al espectador desprevenido y logran transgredir la barrera del relato, como toda realización memorable.

Entrevista al actor Juan Minujín

2006-11-26T10:52:00.004-08:00

ENTREVISTA A JUAN MINUJIN
Tiempo de Valientes

El actor de "Un año sin amor" Juan Minujín protagoniza "Zenitram", la nueva película de Luis Barone que -basada en un cuento original de Juan Sasturian- comenzó a rodarse el lunes pasado y cuenta la historia de un superhéroe porteño.

Por Andrea Ezquerra y Guadalupe Treibel

Zenitram es un héroe poco convencional. Su nombre carga la marca de un mingitorio y es el anagrama de su apellido de "humano": Martínez. En una "tetera" -mugriento baño de la estación de tren en Constitución-, le serán revelados sus poderes: cada vez que pronuncie "Zenitram" será dotado de una fuerza extraordinaria y el don de volar. Así comienza la lucha contra el mal de un héroe porteño.
"Zenitram es un chico al que le revelan que tiene un poder especial y, a partir de allí, empieza su travesía", comenta Minujín -sin querer dar a conocer demasiados detalles sobre el film que se encuentra en su cuarto día de rodaje-.
Basada en un cuento de Juan Sasturain -a cargo del guión del film-, la historia es protagonizada por el actor Juan Minujín, hijo de una psicóloga y de un matemático radicado en Estados Unidos, y sobrino de la controversial artista plástica Marta Minujín.
Formado en actuación bajo las directivas y enseñanzas de Guillermo Angelelli y Alberto Ure, Minujín se enteró del proyecto de Barone mientras filmaba la película de Kino González "El cielo elegido" -aún sin estrenar-. Parte del equipo de la película estaba contratado para trabajar luego en "Zenitram" y le comentaron sobre el proyecto. "Me interesó y me pasaron un par de versiones del guión. Después me reuní con Barone para charlar", explica el actor.
Con una Buenos Aires futurista como escenario central, "Zenitram" cuenta -en clave cómica- una historia oscura: en los años venideros, el agua será el combustible principal que moverá al mundo y quien domine el monopolio del insumo encarnará el poderío supremo. En una ciudad derrotada y destruida (metáfora de la realidad post-peronista, con monumentos clave de Evita y Perón en la escenografía), de la desigualdad partirá la maldad y el enemigo del superhéroe.
Para el rodaje, Minujín tuvo que preparse físicamente por lo demandante de la historia. "Las escenas de acrobacia son un desafío porque llevan horas y horas de mucho trabajo físico", dice el actor. Pero aclara aclara: "De todas formas, son muy pero muy divertidas porque hay coreografías de vuelo, peleas y aterrizajes forzosos y se puede practicar con espadas, actuar con arneses".
El film es una importante co-producción entre Argentina, Estados Unidos y España a través de Kaos (productora local a cargo de films como "El boquete", "Sed, invasión gota a gota", "El tigre escondido") y la española Telespan 2000 ("Días de fútbol", "El otro lado de la cama").
"Zenitram" es la primera película industrial del actor, recocido en el ambiente under del teatro y en los films de bajo presupuesto, como "Un año sin amor" -película que le valió el reconocimiento de la crítica- y "Sofacama". Por eso, prefiere concentrarse en el trabajo y no en la gran dimensión del proyecto. "Sino, me pongo nervioso", explica el multifacético Minujín.
La idea de llevar la historia a la pantalla grande y patentarla en la cinta fílmica comenzó a hacerse realidad cuando -en el 2005- el guión ganó el "Primer Concurso del Bicentenario". Con la organización del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), se premiaron a las ficciones que tenían como tema la identidad nacional. Elegidos por un jurado compuesto por Horacio González, Liliana Mazurre, Gabriel Mariotto, Santiago Carlos Oves y Mara Brawer, los ganadores obtuvieron un millón y medio de pesos. Los primeros lugares fueron ocupados por "Sobre el éxito y la esperanza", de Jorge Zuhair Jury y "Bandolera", de Héctor Olivera y Fernando Ayala, además de "Zenitram".
Aunque el rodaje ya comenzó, son muchas las incógnitas alrededor del film. Falta saber aún cómo estará compuesto el resto del reparto. Aunque los rumores dicen que habrá actores de renombre de Estados Unidos y España, como Andy García y otras personalidad, aún no está nada confirmado. Lo cierto es que quienes se sumen al proyecto se animarán, como Minujín, a la tarea poco convencional de dar vida a un héroe porteño que quiere salvar una ciudad inhabitable.

Imperfectos

2006-11-26T10:52:00.003-08:00

EL EP DE DÉBORAH DE CORRAL, EZEQUIEL ARAUJO Y LEHA

Imperfectos

Por Guadalupe Treibel

Cada proyecto nuevo trae la insignia de una esperanza: la renovación musical, la vanguardia artística, el efecto logrado… Claro que pocas veces la búsqueda llega a buen puerto y, en general, el barco de notas naufraga.
En su primer EP -compuesto por cuatro temas y financiado por la marca de zapatillas Converse-, Imperfectos sale a flote y aspira a más. Con un ensamble casi ecléctico de pop primaveral, alternatividad cruda, canciones bailables y melodías acústicas, la fusión hace ruido.
Cada tema responde a una lógica distinta y, así, el producto final aparece fragmentado. Sin embargo, la voz filtrada de Déborah De Corral, los sonidos cuidadosamente ubicados y búsqueda constante cosechan buenos resultados.
Las mezclas dejan entrever el brillo de uno de los descubrimientos más recientes en la cuidadosa elaboración de discos: el ex El Otro Yo Ezequiel Araujo, productor estrella de bandas como Intoxicados y Bicicletas.
Además, la fórmula-canción permite que la ex modelo cubra sus bases y supere las expectativas de los más escépticos.
Aún en constante transformación, con más covers que temas propios en sus presentaciones en vivo, el trío explora en tierras fértiles, cuevas con magia y quizás con el tiempo la promesa se cumpla.

A rodar, mi amor

2006-11-26T10:52:00.002-08:00

BICICLETAS Y SU PRIMER DISCO HOMÓNIMO

(Sello Estamos felices)

A rodar, mi amor

Por Guadalupe Treibel

Tras tres EPs y cinco años de historia, Bicicletas lanzó su primer larga duración con nombre homónimo y su sonido aparece como bandera de dogmas musicales disímiles pero bien concentrados, con ruidos y melodías que se funden correctamente y una voz que juega con los desaciertos.
La apuesta del quinteto es por una actitud post punk que energiza tramo a tramo cada tema, con toques de sensibilidad pop y beats psicodélicos que invitan a los colores, al baile, a la sonrisa.
De la mano del sello Estamos Felices y con producción artística del ex El Otro Yo Ezequiel Araujo, Bicicletas es un disco que no da revancha y aprovecha cada segundo para hablar, gritar, dejar respirar y encender imaginarios mientras uno recarga baterías.

Super Freak

2006-11-26T10:52:00.001-08:00

CRÍTICA: PEQUEÑA MISS SUNSHINE
Super Freak

Por Guadalupe Treibel

En las últimas décadas, los parámetros de corrección han ido mutando, transgrediendo normas y formas lícitas de ser. Parece que la fórmula relativista de la posmodernidad llegó a la vida cotidiana y, ahora, la extrañeza es pintoresca. Ya no es necesario excluirla. Es más, se hacen filmes sobre ella ¡Afuera los Brady, la familia Falcón, los Benvenutto! ¡Bienvenidos los Hoover!
En "Pequeña Miss Sunshine", los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris destruyen todo resabio de normalidad y exponen con crudeza, gracia y belleza visual las particularidades de la familia Hoover, personas complejas con taras bien delimitadas, fácilmente rastreables, hiper caracterizadas.
Con un acertado staff encabezado por Greg Kinnear, Toni Collette y el cómico Steve Carell, los protagonistas no tardan en dejarse entrever: el padre obsesionado con el éxito, la madre saturada, el hijo adolescente nihilista y mudo por elección, la hija pequeña que sólo quiere ganar concursos de belleza, el tío gay suicida (gran conocedor de Proust), un abuelo que -a cada rato- aspira cocaína y una camioneta Volkswagen amarilla que funciona sólo bajo determinadas circunstancias.
Durante sus 101 minutos de duración, el film presenta situaciones y diálogos que, de no ser por lo creíble de las actuaciones, resultarían inverosímiles. Pero no es así. Las caracterizaciones sobresalen y las voces hablan con sarcasmo e inteligencia.
Así, "Pequeña Miss Sunshine" aparece como una película de personajes -casi enajenados- con un motor determinante: el viaje. La ruta lanza a esta familia disfucional a la calle, con la obligación de compartir un mismo espacio físico (y muy pequeño). Como todo film con viaje, el reencuentro con uno mismo y los demás es inevitable. Pero la fórmula es utilizada con sensatez y no repite lugares comunes.
En una línea de tensión constante, los dificultades personales van en aumento y colisionan, pero siempre con humor. Y, aún con situaciones críticas presentadas pero no resueltas, la película funciona. El exceso, el nerviosismo, las rarezas, la locura que explota, el comprender la importancia del momento, de transgredir la norma, el optimismo desencantado, el chiste sensible y un universo de seres desencajados hacen de "Pequeña Miss Sunshine" un film super freak y genial.

El eternauta

2006-11-26T10:52:00.000-08:00

CRÍTICA RETRO: NIDO DE RATAS
El eternauta

Por Guadalupe Treibel

En los orígenes de la filosofía, la mirada aristotélica marcaba una posible definición para concebir "el arte": debía representar la esencia de las personas, interpelar su humanidad. Desde esta concepción, cobra sentido la vigencia de autores, cuentos, personajes, pinturas o canciones que nacieron en contextos radicalmente distintos pero aún hoy surten efecto y emergen radiantes con cada año o nueva década que comienza.
En 1954, una historia se convirtió en película. Luego fue un mito, un clásico, un film de autor. Esta cinta -que habla de un tiempo y termina escapando a su época para definir al hombre, aunque sea en un aspecto, con matices y colores- tiene un nombre y ocho Óscars, entre ellos a mejor película... Se llama Nido de Ratas y su origen está inspirado en los artículos de Malcom Johnson llamados "Crime on the waterfront", en los que se investigaba el chantaje en los muelles de Nueva York y New Jersey.
De la mano del controvertido realizador greco-turco Elia Kazan, que se ganó el repudio del progresismo estadounidense al colaborar con el Comité de Actividades Anti-Americanas y delatar a colegas y artistas, Nido de Ratas es -irónicamente- una crítica a la bajeza humana y a la codicia que se manifiesta en cada estrato de la burocracia estatal. Su historia es un ejemplo ideal del poder intersticial que mencionó Foucault alguna vez, aquel que cruza todas las esferas de la realidad y que se ejerce siempre que es posible.
En su relato, la corrupción sindicalista portuaria sirve como disparador para explicar los grises que tiñen a la condición humana: hay buenos y malos, pero también hay grandes arrepentidos y conciencias que sufren. Los estereotipos se abren, se ablandan y experimentan otras categorías de mundo. En esa línea aparece el personaje de Marlon Brando, un ex boxeador que quiso ser más y no pudo, que intenta romper con lo que le ha sido dado y, así, casi sin darse cuenta, de rebelde sin causa pasa a ser bandera de una causa.
Con su rústica naturalidad, su belleza imperfecta, sus gestos pulsionales, Brando sigue -hoy como siempre- apoderándose de la pantalla y, con su presencia escénica, logra trascender los códigos filmicos de época. Su coprotagonista Eva Marie Saint, en cambio, hace carne los cánones del cine de la década del 50: los movimientos de su cuerpo asumen un caracter artificial y racionalizado.
Nido de Ratas sirve para pensar las luchas que se han ganado, las que aún se pelean y las grandes batallas que se han resignado, que las personas ya no recuerdan... Porque a veces se olvida lo inolvidable, lo necesario, lo imprescindible.